DIGITAL ART. Что происходит с цифровым искусством вообще и в инстаграме в частности — Бюро 24/7

DIGITAL ART.

Что происходит с цифровым искусством вообще и в инстаграме в частности

Обзор состояния и тенденций BURO. и приложения PicsArt, подготовленный сотрудницей программы Garage Digital Анастасией Чеботаревой вместе с главным редактором Музея «Гараж» Александром Извековым. Мы публикуем его в разделе NEW COOL, посвященному ежегодному фестивалю искусств BURO., который проходит оффлайн и онлайн.  

—————————————————————————————————————————————————————————————

Цифровое искусство, которое также принято называть мультимедийным искусством или искусством новых медиа объединяет бесконечное количество произведений, созданных с помощью или под влиянием компьютеров, гаджетов, программного обеспечения и коммуникационных сетей.

Они складываются в отдельные направления, и по поводу некоторых из них есть своя классификация и исследовательская база. Большинство же явлений цифрового искусства остаются не вполне изученными и осмысленными из-за их количества. Техническая доступность средств производства и относительная простота создания цифрового искусства изменили и статус произведений, где больше нет категории уникальности, и статус художников, которых все чаще принято описывать 

определением «content creators», то есть «создатели контента», и рассматривать в одном порядке с авторами текстов в социальных сетях, ведущими инстаграм-блогов, телеграм- и ютьюб-каналов, а также относительно новым классом — тиктокерами. Важным параметром искусства новых медиа является то, что оно существует и развивается (а иногда и умирает) в пространстве интернета и социальных сетей. Отсюда еще одно его определение — online-based art, или онлайн-искусство.

BURO. попросило сотрудников программы Garage Digital, которая занимается изучением новых языков визуальной культуры, составить обзор ключевых тенденций, направлений и техник в цифровом искусстве, а также рассказать о нескольких заметных художниках и их месте обитания — инстаграме.

Предыстория. Нет-арт и ранние эксперименты художников в Сети

Появление в начале 1990-х Всемирной паутины и первого браузера Netscape Navigator привело в том числе к возникновению нет-арта — искусства, живущего в Сети, доступ к которому можно получить исключительно при помощи браузера. По сути, каждое произведение нет-арта было самостоятельной страницей (или группой страниц), так или иначе использующей возможности и ограничения интернета для создания художественного высказывания. Ключевыми фигурами раннего нет-арта, которые есть в каждом направлении медиаискусства последних 30 лет, являются российские художники Оля Лялина и Алексей Шульгин, авторы программного текста «Сети для художника» 1996 года, опубликованного в газете «Коммерсантъ».

Известность и культовый статус Оле Лялиной, кинематографисту по образованию, а сегодня профессору Merz Akademie в Штутгарте, принесла работа «My Boyfriend Came Back from the War», созданная в 1996 году, — рассказ о встрече девушки и ее парня, который нелинейно развивается, когда пользователь кликает по ссылкам на странице. Сегодня MBCBFTW кажется технически очень простой вещью, но в ситуации подключения к Сети по диалапу с низкой скоростью и нестабильной связью знакомство с ней требовало терпения (картинки медленно загружались, а при переходе по ссылке мог произойти обрыв соединения), что задавало нужный темп просмотра и интригу.

«My Boyfriend Came Back from the War»

Оля Лялина,1996

Одним из самых известных нет-арт произведений Шульгина, фотографа и мультимедиа-художника, является «Form Art» (1997) — серия страниц с композициями из различных кнопок, окон поиска, прокрутки, созданных при помощи HTML. Нажатие на любой элемент страницы открывало следующую страницу (или окно), и так до бесконечности — переход от одной страницы к другой не нес никакой практической ценности, только эстетическую. Также Шульгин объявил открытый конкурс на создание дополнительных страниц, которые стали частью этой работы. 

«Form Art»

Алексей Шульгин,1996

Несмотря на огромную популярность нет-арта на различных фестивалях медиаискусства 1990-х, он так и не смог стать полноценным художественным явлением, в известной степени опередив свое время. С одной стороны, в силу эфемерной природы нет-арта, он не стал привлекательным для игроков арт-рынка: все-таки довольно сложно продать как нечто уникальное сайт, который доступен всем. С другой, наличие компьютера с подключением к интернету для показа произведений нет-арта в подавляющем большинстве выставочных залов 1990-х было технически невозможно.

В то же время нет-арт является предметом изучения крупных художественных институций, важнейшая из них — цифровая площадка Rhizome, где существует постоянный раздел Net Art Anthology. И, конечно же, эстетически и идеологически повлиял на следующие поколения художников, работающих в интернете.

Кроме того, многие эксперименты и приемы нет-арта превратились в тропы — стали общим местом и предметом цитирования в цифровом искусстве, и особенно в сегодняшних работах online-based художников. Наиболее частые из этих приемов — использование веб-окон в создании визуала или перенесение цифровых интерфейсов на материальные объекты или тело человека, что предполагает взгляд на мир как на бесконечный простор интерактивных объектов.

Средства и технологии. Искусство в инстаграме

Доступность широкополосного интернета и появление блог-платформ, на которых пользователи могли составлять френдленты из интересующих аккаунтов, — LiveJournal, обретший феноменальную популярность в России, затем Facebook, Flickr, Tumblr, Pinterest и другие, как будто бы структурировали бескрайнее и хаотичное пространство интернета 1990-х в систему хабов, опорных точек, в которых происходит концентрация контента, авторов и их коммуникация друг с другом.

Этот самиздатовский подход произвел революцию в области производства и потребления информации — для публикации теперь нет необходимости в посредниках, достаточно иметь компьютер, подключенный к Сети. А один пользователь может вполне успешно сочетать в себе функции автора, редактора, бильд-редактора и издателя. Монополия традиционных институтов производства смыслов начала размываться, и блогеры — а это, по сути, каждый, кто публикует от своего имени онлайн, — стали важной частью новой медиареальности. 

Например, дизайнер-самоучка Ито Морабито (Ora Ito) выбрал именно интернет в качестве стартовой площадки своей карьеры. В конце 1990-х он выкладывал в Сеть виртуальные объекты дизайна с логотипами известных компаний, выдавая их за реальные продукты брендов. По словам дизайнера, интернет пришел ему на помощь в стремлении продемонстрировать, на что он способен, не обладая широкими ресурсами. Постепенно распространение этих изображений привело к уже реальным сотрудничествам Ora Ito с Guerlain, Christofle, Casina и многими другими брендами.

источник: ora-ito.com

Началась эпоха экранной культуры, в которой смартфон стал продолжением руки, а скорость и количество потребляемой информации многократно увеличилось

Следующим этапом развития стало появление смартфонов, которые повлекли за собой бум приложений, уже не требующих компьютера и браузера, а только подключения к интернету. Началась новая эпоха — экранной культуры, в которой изменились поведенческие модели, смартфон стал продолжением руки, а скорость и количество потребляемой информации как в виде текстов, так и в формате изображений многократно увеличилось.

Социальная сеть Instagram, запущенная в 2010 году как приложение для публикации как бы состаренных фотографий, купленная Facebook в 2012 году, — стала главным из таких хабов, объединивших френдленту и свободу самовыражения (в данном случае, визуального).

Превратившись в дружественную среду для самых разных художников, она дала им возможность адаптировать ее под свои потребности и адаптировала их самих. Публикация здесь изображений «аналоговых» работ — картин, скульптур или даже инсталляций — бывает полезной: их может заметить арт-функционер любого уровня и взять на выставку. Отсутствие посредника между автором и аудиторией — в лице арт-дилера или галереи — позволяет осуществлять сделки без участия третьей стороны и упрощает процесс продажи/покупки искусства.

Под «цифровым искусством» в первую очередь понимают фотореалистичную трехмерную графику

Де-факто инстаграм стал сейчас ключевой площадкой для знакомства с любым искусством — и цифровым, и материальным, — и, конкурируя с музеями за внимание зрителей, заставил их пересмотреть свою выставочную политику. Но все-таки самыми родными или, как принято говорить, нативными для цифрового пространства считается ряд определенных техник. Это в первую очередь фотореалистичная трехмерная графика, для создания которой используются всевозможные средства 3D-моделирования, текстурирования, рендеринга и анимации из игровой индустрии, теле- и кинопродакшена — именно ее чаще всего подразумевают, когда говорят «цифровое искусство». И таким работам была посвящена онлайн-выставка «Aboveground Animation: 3D-Form», подготовленная Новым музеем в Нью-Йорке.

источник:  Aboveground Animation: 3D-Form

В музейной среде художники, работающие с 3D-графикой, часто стремятся к выходу в офлайн и разработке гибридных — трансмедиальных — форматов. Так, художница из Шанхая Лу Ян создает масштабные инсталляции, совмещающие в себе 3D-анимацию, видеоигры, физические объекты и архитектуру. А в работах российской художницы Софы Скидан цифровой контент дополняет перформанс и телесно-ориентированные практики.

Примеры узкопрофильных сообществ: pixego, renderlovers, дизайны на движке Unity

Творчество в социальных сетях предполагает естественные ограничения плоскостью экрана и стандартами изображений, установленными платформой (вспомним строго квадратные фотографии в раннем инстаграме). Однако вместе с тем соцсети, избавляя художников от привязки к конкретному пространству, открывают альтернативные векторы развития. В их числе возможность сосредоточить внимание на какой-то одной технологии и ее ресурсах или на отдельном сюжете или жанре. Например, в инстаграме есть множество узкопрофильных аккаунтов — как сообщество pixego, которое собирает работы в минималистичной 3D-технике lowpoly, группа любителей и профессионалов 3D-визуализаций интерьеров renderlovers или блог дизайнера Алессио Гранчини, который создает работы, пользуясь игровым движком Unity.

инстаграм перестал быть только площадкой для продвижения искусства, но и вошел в арсенал художественных инструментов

Кроме того, с распространением всевозможных мобильных фото- и видеоредакторов — таких как PicsArt или Afterlight, — инстаграм перестал быть только площадкой для продвижения искусства, но и вошел в арсенал художественных инструментов. Функционалы приложений позволяют художникам делать работы с помощью одного лишь смартфона. Так создаются различные виртуальные коллажи, миксы фото и графики практически в реальном времени, как это делает мобильный режиссер Вадим Балабанов или художница Шивон О’Дуайер. Многие художники делают собственные эффекты — стикеры, фильтры, фактуру и загружают их в приложения для общего пользования: в качестве примеров тут можно упомянуть мейкап-художника Artemiy_IR или Edward Zo, сотрудничающего с PicsArt.

*********************************************************************************************************************************************************************************************

Темы и визуальные тренды

Разнообразие визуальных языков, сюжетов и направлений искусства, которое существует в инстаграме, конечно, неисчислимо, но самые заметные из них поддаются классификации и описанию.

Видеоигры

Сложившийся статус видеоигр как одного из главных медиа современной популярной культуры закономерно привел к появлению блогов и личных аккаунтов, в которых собираются работы в эстетике игровой графики. Причем в этом направлении можно выделить свои подвиды.

Встречаются работы в стилистике мобильных игр и простых платформеров. Работа иллюстратора Ryogo Toyoda отчетливо напоминает графику игр для смартфонов вроде Manor Cafe.

Очень распространен разнообразный фан-арт по мотивам популярных компьютерных и консольных игр, как этот рисунок Sami Jen, изображающий BB из Death Stranding. 

А также графика, отражающая распространенные игровые архетипы и ситуации. Например, образ монстра из сообщества skyshetty, отсылающий к боссам, с которыми приходится сражаться в многочисленных играх от Dark Souls до Hellblade. 

Искренность и новая этика

Критика социальных сетей и в первую очередь самого инстаграма как инструментов конструирования воображаемой «идеальной жизни», которая состоит только из «запоминающихся моментов», стала для ряда художников поводом, чтобы привнести в соцсети больше искренности и разнообразия эмоций и тем самым помочь пользователям снять с себя ощущение вины за несовершенства и несоответствия неким абстрактным представления о том, «как надо».

Тема искренности распространяется в поле новой этики — рефлексии по поводу остросоциальных вопросов, толерантности, ментального здоровья, восприятия и репрезентации телесности, самовосприятия и сосуществования в цифровой среде.

В этом направлении художники часто работают с портретами и close-ups, и если используют фильтры и фоторедакторы, то скорее в ироничном ключе.

В работах блогера Габ Бойс критику претерпевают консьюмеристски заряженные снимки фэшн- и бьюти-аккаунтов, изобилующих портретами «вещей на фоне моделей». Автор показывает, что сумочка из лопуха тоже может быть вполне себе ярким реквизитом.

Сообщество «бьюти-хакеров», которое развенчивает каноны красоты и стиля, а также их репрезентацию в медиа публикациями самой разнообразной (условно) неформатной внешности, невыгодных или неожиданных ракурсов и самых странных макияжей и аксессуаров. Этот опубликованный в сообществе снимок Питера Де Вито буквально сообщает, как все устали от ретуши всевозможных изъянов.

DIGI-GXL — паблик о цифровом искусстве, в числе прочего освещающий темы diversity. Выложенная в нем работа художницы Гвен Ким изображает шагающую будто по подиуму фигуру то ли робота, то ли манекена комплекции plus-size, переосмысляя вопрос того, что заслуживает публичной репрезентации (спойлер: все).

В блоге художницы франко-марокканского происхождения Саины Саиди объединяются вопросы феминизма, телесности и национального равенства в форме красочных иллюстраций с содержательными текстами в подписях.

Лаконичность

К этой группе работ можно отнести изображения, в том числе и 3D-визуализации с характерными сдержанными композициями, часто пастельными и приглушенными цветовыми схемами. Простые линии, геометрия, много пустоты и света — это своего рода жизненная философия, выраженная визуально, которая привлекает к себе массу почитателей и приличное количество репостов.

В аккаунте с говорящим названием minimalism показывают разные грани тренда: здесь монохромная эстетика,
как на фотографии Амели Зацгер.

А также простые медитативные архитектурные линии в работах фотографов вроде Сяо Ханя.

Блог Mijoo Kim Studio публикует рендеры ландшафтов и интерьеров с лаконичными композициями и в пастельных тонах. Освещение минималистичной по формам и цветам архитектуры становится полноценным героем этих работ.

И композиции одного объекта, как эта лодка авторства Roynaldi Saputra 

Сюрреализм

Парадоксальность, в чем-то наследующая Дали и Магритту, в целом характерна для цифрового искусства. Но отдельно стоит перечислить причудливые комбинации образов на грани сна и реальности, а также странный «резиновый» стиль 3D-анимаций, собирающих антропоморфные образы в неестественных ситуациях, которые подталкивают к переживаниям о судьбе человеческого в цифровом мире и вообще о сути вещей.

Коллективный блог Surrealismodipendenza ищет сюрреальное в самых разных жанрах искусства и не только: вот, например, работы Маркоса Гинозы в уже узнаваемом магриттовском стиле.

А вот видео Вернона Джеймса Манплаца про экзотических животных, гуляющих среди людей и парящих в воздухе.

Оливер Латта делает анимированную графику, в которой 3D-люди, части их тел, а также разные неодушевленные объекты претерпевают пугающие трансформации и кажущиеся некомфортными условия — как в этом видео про голову, протискивающуюся сквозь толпу.

Визуализации порталов в новые миры от Ари Фарарроу.

Гиперреальность

В этой категории — реалистичные фото существующих объектов, отредактированных до гротеска, изощренная форма индивидуального проживания повседневности с подчеркнутым вниманием к ее странностям.

Вот, скажем, аккаунт Пабло Рочата — один из наиболее цитируемых гиперреалистичных инстаграм-пабликов, где он среди прочего публикует почти сатирические работы, вроде этого будильника из айфона, превращенного в циферблат непрекращающейся тревожности.

Марк Грофт в своем блоге выкладывает коллажи с участием лица в гримасе ужаса и изумления, наложенного на разные образы из поп-культуры и истории искусства. В числе его работ есть и такие композиции, как эта фигура, плавающая в кофейной чашке, будто в бассейне.

Футурология

Сюда можно отнести искусство, размышляющее о том, каким будет будущее под влиянием технологического прогресса, растущей автоматизации, развития искусственного интеллекта, вдохновленные научной фантастикой и спекулятивными работами современных философов.

Внутри этого тренда также можно обнаружить часто алармистские картины негативных последствий прогресса и текущей деятельности человека, темы постапокалипсиса и разрушенных техногенной катастрофой заброшенных мегаполисов.

Популярны картинки обветшалых бетонных джунглей, как «Старый Гонконг» из паблика Blender Artists. Встречаются и изображения инфраструктуры будущего — космические станции, высокотехнологичные парящие мегаполисы, голограммы, роботы и встроенные в сетчатку глаза интерфейсы дополненной реальности.

Образу будущего полностью посвящен блог CGI-художника Arthur Sozydai, где все перечисленные элементы грядущей реальности представлены в постоянном полумраке, и от картины к картине кочует образ одинокого человека или андроида.

Отдельный мотив в картине будущего — бионические протезы и аксессуары как возможное технологическое продолжение человека и его способ приспособления к условиям и задачам нового мира. Как, например, шлем из тонкой ювелирной конструкции на анимации Martina Ampuero из паблика yesuniverse.art.

киберпанк

Еще один тренд, в особенности среди 3D-художников, — эстетика киберпанка с неоновыми цветами, в которой мир представляется в дистопичном ключе.

Аккаунт shapesoftime публикует изображения разных авторов с настроением «ностальгической футурологии» и оттенками «Бегущего по лезвию».

3D-художник и графический дизайнер maldo_95 делает насыщенные неоном и электрической цветовой гаммой визуализации, в которых объединяет урбанистические мотивы, тропики и цитаты из античной пластики.

*********************************************************************************************************************************************************************************************

Цифровое искусство и монетизация

Продажа online-based art — одна из самых сложных проблем рынка искусства и в настоящий момент не имеет однозначного решения, несмотря на существующие прецеденты. Что должно переходить покупателю? Программный код можно легко скопировать и воспроизвести на другой странице. Если работа находится на публичном хостинге, страницу невозможно передать под управление нового владельца. В конце концов, языки веб-программирования настолько быстро устаревают, что показ большинства произведений через некоторое время потребует специального оборудования или дополнительного программного обеспечения. По этой причине большинство online-based проектов находит финансирование за пределами арт-рынка: за счет своих создателей, краудфандинг-кампаний или грантов от некоммерческих художественных институций. 

Еще одна форма поддержки — доступ к контенту за пожертвование (как в сервисе Patreon.com) — только набирает популярность, поэтому среди веб-художников прослеживается тенденция совмещать цифровые практики с традиционной работой в офлайне. Они создают физические версии своих работ, тиражную графику или аксессуары, которые также могут продвигаться средствами онлайн-платформ. Например, художник Томас Майландер в своем аккаунте коллекционирует различные фотоартефакты из жизни интернета, которые распространяет в формате принтов. А художники-блогеры с миллионной аудиторией часто вступают в коллаборации с коммерческими брендами, выпуская свои линейки. Например, Swatch недавно выпустил кастомную коллекцию в сотрудничестве с Леной Шейдлиной.

================================================================================================================

Художники, которых стоит знать

Успех и популярность в инстаграме, в отличие от институциональной художественной системы, где чаще всего действуют механики кураторского отбора, поддается количественному измерению. Здесь гораздо больше, чем в музейной среде, принимаются в расчет количество подписчиков в сочетании с уровнем вовлеченности аудитории, публикации в медиа, а также различные формы 

партнерства и сотрудничества. Выше уже упоминались некоторые авторы с широкой аудиторией, чьи работы часто попадают в тематические сообщества, задают и демонстрируют популярные направления. Их число мы дополним рядом имен, значимых с позиций охватов, коммерческой успешности, трендов, открытий и выразительности.

Майк Винкельман

Майк Винкельман ежедневно публикует визуально насыщенные картины и мини-фильмы, для создания которых задействует огромный спектр цифровых и аналоговых средств. Одновременно гиперреальные и сюрреалистичные работы перемешивают в гротескный бульон образы из современной политики, фантастического кино, видеоигр и интернет-культуры.

Стивен Бэлтэй

3D-художник и арт-директор из Нью-Йорка Стивен Бэлтэй делает странные и местами жутковатые, но притягательные анимации. Главные герои его роликов — движущиеся антропоморфные объекты, сочные полутона и текстуры. Именно «герои» — потому что с ними и происходят основные события.

Джулия Скалезе

Джулия Скалезе — фотограф и фэшн-художник из Питтсбурга. С 2014 года ведет блог TheCollecteur, где «коллекционирует» вещи Maison Margiela, Balenciaga, Gucci, Jacquemus и прочих брендов, помещая их в неожиданные визуальные контексты. В ее ярких композициях одежда, обувь и аксессуары дополняются совершенно внезапным реквизитом — предметами мебели, посудой, слаймами и пр.

Джоанна Ясковска

Джоанна Ясковска — автор знаменитого фильтра Beauty3000, имитирующего переливающуюся пластиковую маску. Трансформация лиц, образов, объектов и текстур, перемешивание цифровой и физической сред — основные темы ее художественного блога. В своем аккаунте Ясковска примеряет на себя, своих знакомых и разные объекты (материальные или цифровые) всевозможные фильтры, как естественные, вроде фактурных прозрачных поверхностей, так и цифровые.

Том Галле

Блог Тома Галле представляет собой яркий пример иронии и критики современного медиапространства и потребительских технологий. Например, последние работы — коллажи из фото, графики мемов и логотипов, доводящие до гротеска идею zoom-конференций, которые для многих стали основным рабочим пространством в период карантина.

Что происходит в России

Хотя интернет — и «повсеместно протянутая паутина», в которой границы стерты, а коммуникация и циркуляция смыслов, трендов и творческих идей упрощена, в нем по-прежнему сохраняется место для локальных высказываний, связанных с событиями и контекстом конкретной страны.

Елена Шейдлина

Елена Шейдлина — одна из крупнейших российских художников-блогеров, собравшая более 4 млн подписчиков. Она работает в стиле, который сама определяет как «сюрвиртуализм» — искусство сюрреалистичных образов, созданных посредством цифровой трансформации фото и видео. У художницы есть и второй аккаунт, в котором она публикует свои живописные работы.

Арюна Тардис

Один из ярких примеров гибридного жанра арт-бьюти-блога. Арюна Тардис, участница Dazed Beauty Community, делится снимками мейкапов и грима, посредством которых рассказывает личные истории, вживаясь в образы разных героев, и поднимает темы социального неравенства, новой искренности и разнообразия. 

Никита Реплянский

Киберхудожник Никита Реплянский делится в своем аккаунте проектами на границе искусства и технологического дизайна. Среди них есть 3D-скульптуры, аксессуары и виртуальные маски, выполненные в постгуманистической эстетике бионических протезов, к которой он пришел после пережитого онкологического заболевания и опыта работы в компании по производству инновационных средств реабилитации в «Сколково».

Вместо заключения

Во вселенной искусства цифровых медиа творится все
что угодно из чего угодно — и появление новых гаджетов и софта делают эти процессы все более увлекательными и изощренными. Интернет же оказывается связующей материей, в которой зарождеется, распространяются и сосуществовуют новые формы, отношения и ситуации.
Тем самым любая попытка описать или систематизировать такое искусство — скорее фиксация фрагмента этой вселенной, находящейся в бесконечном конструировании самой себя. Ведь пока мы пишем, читаем, фотографируем или что-либо постим, создаются и публикуются тысячи новых работ, формулируются идеи, разрабатываются средства

к их воплощению. Онлайн-тренды, челленджи и мемы сменяют друга в темпе спид-дейтинга; некоторые остаются с нами надолго и формируют отдельные направления, другие получают свои 15 минут славы и растворяются в цифровом шуме.

В то же время кажется важным осмыслять искусство в сети, делать своего рода временные засечки — это медитативный (хотя и бесконечный) процесс, который дает редкую возможность остановиться и осмотреться, заметить и прожить текущий момент и ненадолго в нем задержаться.